Courtesy Gallery Shilla Daegu, Korea

 

갤러리 신라 대구에서는 2023년 5월 24일부터 6월 24일까지 일본 현대미술계에서 기하학적 추상회화와 미니멀회화 작업을 가지고 60여년간 자신만의 작업 세계를 지켜온 아키오 이가라시(Akio Igarashi, b.1938~  )의 개인전을 개최합니다.

회화를 깎고, 갈아내어 만든 캔버스 표면의 독특한 질감은 이가라시의 회화에서 가장 두드러지는 특징이다. 그 색상은 그레이, 블랙, 화이트 등 모노톤으로 제한하고있어, 그의 작품을 처음 보는 순간 단단하고 매끈한 돌이나 건축적 질감이 먼저 떠오른다. 그러나 그의 70년대 초기 작품은 캔버스 화면이 뚫려 캔버스 뒷면이 보일 정도로 거칠다. 화면에 나타나는 그의 중요한 예술 언어는 그리고, 깎고, 지워내는 반복적인 행위의 축적으로써 이는 기하학적 추상이라는 자칫 차가운 회화가 아닌 그만의 따뜻한(열정적인) 회화로 나타나는 중요한 점이다.

그가 활동하던 60년대 말부터 70년대 초의 일본미술계는 동아시아 미술의 최전선답게 미국회화와 밀접한 영향을 주고받았다. 미니멀아트를 탄생시키고 다시 버린 미국작가들과는 다르게 이가라시는 자신만의 작업으로 다시 탄생시켰다. 평면성 그 자체에 목적과 달성을 둔 그가 회화를 통해 표현하고자 하는 것은 없다. 그러나 그의 회화의 구성은 60여년전 탄생된 것이라고는 믿기 힘들만큼 현대적이고 세련된 감각이다.

이번 전시는 한국나이로 여든 다섯인 작가의 첫 내한 전시로, 작가는 이번 대구 전시를 위해 5년간 준비를 했다. 그의 전시가 서울이 아닌 대구에서 개최되는 것은 70년대 대구현대미술제와 같은 우리 지역의 미술상황과도 어울려, 동시대미술에서 귀하고 의미 깊은 의의를 지닌 전시가 되리라 생각한다. 

예술과 철학은 깊은 관계에 있어 미술은 철학의 일종이기도 하다는 인식을 가질 때, 말로 표현하는 것이 철학이고 시각적으로 표현하는 것, 또는 말로 보충 않은 표현이 미술을 형성하여 왔다고 할 수 있다. 그림은 '그려진 말' 혹은 '그려진 사상’ 이라고 말할 수 있다. 또한 철학은 '지식을 사랑하는 것’ 이라고 생각하면 "아름다움을 사랑하는 것”을 미학 할 수 있다. 지성과 감성의 융합이 미술을 낳았다고 생각된다. 이가라시 아키오의 그림에 지성과 감성의 융합을 볼 때, 거기에 시간과 공간의 철학을 간파 할 수 있다. 그것은 우주의 시작부터 인간 존재에 기인 한 보편적 인 질문을 그의 그림 속에 찾을 수 있다.

그런데 여기에서는 서양 미술의 역사를 되돌아 보면서 이가라시의 그림에 대해 말해 보자. 19 세기 사진의 발명은 직업 화가들을 위협 화가 실업을 예견했다. 주위의 사물을 찍는 회화의 역할에 끝나게 그림의 기록성은 사진에 인계되어 회화는 "눈에 보이지 않는 것을 보이게 그리는 방향”으로 전개된다. 즉 모더니즘 회화는 가시 있는 현실이 현실의 모든 한 것인가라는 의심에서 모든 시작된 말할 수 있다. 여기에 추상 회화가 탄생했다고 필자는 생각하지만 이론 [주 1]도 있다.

몬드리안은 조형적으로는 입체파의 영향을 받아 사상으로 실증주의에 대한 반발로 침투 한 신비 사상에 심취했다. 몬드리안이 요구 한 것은, 사람의 외모가 아니라 그 속에 숨어있는 본질적인 원리였다. 수평을 여성으로 물질적 인 것으로 수직을 남성으로 영적한다는 세계관을 반영하여 수직선 · 수평선과 삼원색을 기본 구성 요소로서 보편성을 목표로 했다. 이가라시 그림에는 몬드리안으로 수평과 수직으로 한정적인 색채가 간파 할 수 있다. 이것은 기하학적 추상 회화를 표방하는 모든 화가들의 하나의 기점이 통과 점이라고 할 수 있다.

어쨌든 인간을 능가하는 현상과 존재를 표현하는 데 적합한 방법으로 또한 세계의 시작을 보이는 것으로 표현하려면 비대칭적인 회화 이른바 추상에 가지 않을 수 없었다고 말할 수 있다. 양식으로 그림다움은 그 평면성에 있다고 규정하고 시각적 일루젼 (환상성)을 초과하는 현실적인 힘, 명확성을 전문으로 더 순수하게 하려고 했다. 회화의 평면성과 순화가 20세기 회화의 목표 중 하나라고 할 수 있다.

이가라시는 미술 사적으로는 1960 년대부터 70 년대 미국의 미니멀리즘 (형태나 색채를 최소한으로 규명 한 환원주의적 경향)에 영향을 받아 그들을 출발점으로 작가 활동을 전개 해 온 화가이다 . 미니멀리즘은 재현적인 이미지와 공간의 회화 적 환상을 배제하고 균질화된 단일 이미지 그렸다. 필자와 이가라시와의 대화에서 그는 "70 년대의 미술을 기초로 하고 있다"[주 2]라고 말했으며, 또 이가라시가 필자에게 보낸 편지에서 그는 "내 그림은 유럽을 중심으로 한 현대 회화의 생각과 제 2 차 세계 대전 후 미국을 중심으로 한 모더니즘의 이론에 대한 공감과 학습이 있습니다. (중략) 특히, 미니멀 아트의 이론과 제작의 특징 등은 큰 영향을 받았습니다. "라고 했다.

이가라시가 어떤 형태로 미니멀리즘을 알았는가? 자각하고 발견했는지는 확실하지 않지만, 70 년대 라고하면 일본의 현대 미술계에서는 미니멀리즘과 컨템포러리아트 예술의 바람이 불던 시절이다. 반세기 이상에 걸치는 이가라시의 창작 활동의 많은 회화는 20 세기 초반에 몬드리안과 말레비치가 만들어 낸 기하학적 추상 회화, 바우하우스 배운 요제프 알버스 전후의 팝 아트 이후 미국의 로버트 라이먼과 아그네스 마틴들의 미니멀리즘 미술이론에 근거한 그 생각에 가깝다고 느껴진다. 미니멀리즘은 추상 여부라는 질문에 답하자면, 추상과 생각과 관념 등 본래 추상적이고 보이지 않는 것이 구체적인 형태를 취하고 구상되었다고 한다면 추상의 범위이며, 20 세기 초반의 구성주의의 흐름도 포함된다고 할 수 있다. 그러나 추상 회화라고 추궁 당하면 미니멀리즘의 생각은 회화보다 조각 형식과 결합 수 많은 도널드 저드와 로버트 모리스, 솔 르윗들의 입체 작품이 그 것이다. 미니멀리즘의 경우, 그림의 일루저니즘을 배제한 물질로 존재가 강조됨으로써, 그림보다 입체 작품으로 그 본령을 요구하게 되었다. 초기에는 추상 회화를 그렸던 저드는 몬드리안의 이론을 삼차원 공간에서 응용 입체 작품을 만들어 내고 저드는 그림에서 멀어졌다.

1980 년대의 이가라시 그림은 흰 물감이 적층 차례 차례 겹쳐 것으로 태어나 붓질의 흔적이 흰색 음영이 풍부한 음색을 만들어 내고있다. 작품은 강한 빛에 비추면 더욱 흰색이 두드러진다. 반짝인다는 표현은 여기에 겸손하더라도 백색은 가장 빛에 가까운 색으로 흰색의 이미지는 빛과 겹친다. 캔버스에 흰색 물감을 여러 번 겹쳐 칠 해석하여 물감의 음영뿐만 아니라, 무한한 시간을 가두는 행위가 만들어지고 있다. 이가라시에게 시간 개념은 회화의 성립에는 빠뜨릴 수 없다. 훗날 물감을 깎아내는 신체적 움직임 더미, 즉 시간이 시각적인 형태로 되어 화면의 표면에 나타난다.

20 세기의 모더니즘 회화 이전의 17 세기 바로크 시대 당에서 회화는 빛을 추구해왔다. 역사적으로 이탈리아 카라바지오, 네덜란드의 렘브란트와 베르메르에서 19 세기 프랑스 인상파 모네, 르느와르 등. 또한 앙리 마티스와 게르하르트 리히터도 예외는 아니다.

빛이 없는 세계에 색상이 없는 세상은 형태만 남고 캔버스와 크레이트 지지체가되는 패널이 물자로 존재한다. 회화가 가진 최대의 무기 중 하나인 환상을 손상시키지 얻을 것으로 태어나는 무엇인가? 평면성이 강조된 그림이 단순한 물질로 환원되어 있을 뿐 그림이 나타나서 인식된다.

미니멀리즘의 선구자적인 존재가 되는 프랭크 스텔라는 1950 년대 후반의 '블랙 페인팅'시리즈에서 추상 표현주의와 같은 올 오버 스타일에 단색 화면과 대칭 구도를 사용하여 패널의 두께 수에서 스트라이프의 폭을 결정하고 회화적인 깊이와 환상을 회피했다. 스텔라는 여기에서 "보이는 것만이 보일 것"이라고 주장하고 있다. 20 세기 미술의 명제 “보이지 않는 것을 보이게 그리는 것”이라는 생각과는 대립하는 개념을 만들어 물질 회화를 목표로 할 수 있다.

어느 시기 이가라시의 회화 작품의 지지체 패널의 두께에 물질적인 강도를 물리적으로 회화 더하는 욕망이 보인다. 이가라시 회화는 빛을 추구하고 도착한 경지보다는 물질로서의 이미지 즉 조각에 가까운 것으로 되어간다. 그것은 평면을 고집 한 조각, 아니 얼굴을 인식 한 조각이라고 할 수 있다. 화면을 사포 깎는 이가라시 기법은 마치 대리석과 스테인리스을 연마하는 행위로 간주된다. 닦으면서 아니 깎으면서 태어난 오는 것에 기대를 담은 화면은 우연이 만들어내는 필연적인 힘에 몰리는 것이다.

필자가 이가라시의 그림을 처음 목격 한 것은 80 년대 후반, 86 년 또는 87 년의 갤러리 야마구치 (오사카) 개인전과 1991년 나고야 현대 아트 페어이라고 기억한다. 요즘 이가라시 작품 인상 로버트 라이만의 일에 가까운 작가가 후쿠이 현에 있는 인식이었지만, 재인식 한 것은 2015 년의 갤러리 야마구치 쿤스트 바우 개인전 "이가라시 아키오 AKIO IGARASHI 물질로서의 회화 1969-73 paintings as substans "와 2016년 개인전 "이가라시 아키오 I AKIO IGARASHI 깎인 그림 70-80 초기 "이다. 또한 2019 년 5 월 말부터 11 월 초 기간을 세기로 나누어 개최 된 개인전 "깎인 그림 70 - 80", "깎인 회화 근작 erasing painting part2 ','깎인 회화 신작 erasing painting part3 "을 갤러리 야마구치 쿤스트 바우 (오사카) 데미했다. 이가라시 아키오의 반세기에 걸친 작가 활동을 보여주는 회고전이라고 할 것이었다. 그 때의 인상은 계속 작품 제작의 연속성과 확고한 의지력과 작품이 가진 질 높이에 놀라 감탄했다.

예술가가 무엇을 생각하고 무엇을 표현하고 왔는지는 단편적인 개인전과 그룹전으로는 헤아리기가 어렵다. 그런 의미에서 회고전은 연속성을 가지고 작가가 무엇을 생각하고 무엇을 표현 해왔는지 의 찾을 수 있는 절호의 기회이다. 작가와 동시대를 살고 있는 감상자 사이에는 아무래도 시간적인 엇갈림, 지연이 생긴다. 엄청난 시간을 보내고 자기의 작품을 보고 제작하고 있는 작가와 전시회 형식으로 잠시 멈춰 보는 감상자의 행위는 분명하게 차이가 있고, 작품이 가진 혁명성을 바라본다. 작가는 미래를 내다보고 표현 행위를 계속하고 있지만, 우리는 현재에 멈춰선 채 작품을 보고 보는 것으로 생기는 오차이다. 감상자는 작가가 한 걸음, 두 걸음 앞서 걷고 있는 이 시간의 엇갈림, 본질의 차이를 놓칠 확률이 높다. 일반 관람객은 물론, 미술 전문가인 큐레이터와 미술 평론가들도 마찬가지로 작품의 본질을 간파 할 수 없는 채 극복 할 수 있다. 그런 의미에서 갤러리리스트 야마구치 타카시는 80 년대 초반에 일찌감치 이가라시의 재능을 파악하고, 반주자로 응원을 계속하고 있다.

갤러리 야마구치 쿤스트 바우의 “깎인 회화 근작” 전시회는 갤러리 목록의 야마구치 다카시의 전시 제안에 이가라시가 호응하여 제작 현장을 재현한 전시 공간을 만들었다. 아틀리에의 벽면에 전시된 작품이나 플로어 된 작품은 회화의 설치 미술을 방불케 것이 필자에게는 매우 신선하게 느껴졌다. 이 전시의 아이디어는 야마구치 타카시부터이며, 거기에는 다음과 같은 생각이 있었다.

이번 전시회는 “깎인 회화” 시리즈의 90 년 이후 주로 근작을 중심으로 작가의 승인을 얻어 갤러리 측에서 전시 구성하고 있습니다. (중략)

몇 번이나 아틀리에에 방문해 그 순간 새로운 작품을 볼 신선한 감각을 잊지 못하고 강하게 각인되어 왔습니다. 흔히 갤러리에서의 전시는 작품을 선별하여 작품을 잘 보여주고 자하는 의사가 생겼다는 것입니다. 이번에는 선별 작업을 없애고 그대로 작가가 요구하는 “회화 작품 또는 예술성” 의 한쪽 끝을 평소와 다른 관점에서 엿볼 수 있으면 다행입니다. 야마구치가 쓴 아틀리에를 방문했을 때 보면 “새로운 작품을 볼 신선한 감각” 을 감상자들에게 재현하는 전시되었다. 평면적인 회화에서 환경 공간을 연출할 수 있는 설치 작품으로, 또 한편 갤러리에 바닥에 놓이게 된 작품의 물질로 그림을 본다는 생각이 들었다.

이가라시 회화의 특징적인 표현의 작품이 “깎인 그림” 이라고 할 수 있다. 이가라시에서 필자에게 보낸 편지에서 “나는 물감을 여러 층으로 덧칠, 사포로 깎아 작업 이를 며칠 동안 계속됩니다. 단절된 시간 겹치는 레이어는 캔버스에 다양한 이차원의 피막을 형성합니다.” 라고 적는다. 그러나 그림은 그리는 것이고, 깎는 것은 없다고 생각할 때, 깎는 행위는 조각에 쓰는 말이다. 그려진 조각이라고는 말하지 않고, 날카롭게 조각이라는 표현으로 납득이 간다. 깎는 행위는 물건을 갈고 발굴 발견하는 행위라고 할 수 있다. 또한 그 행위에 시간이 숨어 있다고 할 수 있다. 작품 제작은 화면에 물감을 다층으로 칠으로써 시작 곧 깎는 행위로 향한다. 물감을 화면에서 깎아 벗겨낸다 엄청난 시간의 흐름에서 태어나 표현이 거기에 있다. 박탈 저하 된 화면에서 떠오르는 것은 우주에서 쏟아지는 빛의 입자처럼도 느껴진다. 무엇 광년 저편에서 닿는 빛의 입자는 우주의 저 멀리에서 주어진 메시지처럼 멀리 빛난다.

지지체는 물감이 칠 남겨진 화면과 깎아 화면으로 나누어, 전자 물질을 느끼고 후자에 공간성을 느낄 때 거기에 존재 퍼지는 것, 그것을 우주로 이름을 붙이기도 세계와 명명 할 수 도있다. 그것은 이가라시 자신과 우주와 세계의 본연의 자세의 관계를 묻고 이가라시 나름의 보편성, 미의식, 철학의 총체가 아닐까. 이 추상적 인 개념을 시각적 인 방법으로 그림으로 표현하고 자신과 우주와의 연결 관계에 나타나는 것이 그의 회화의 본질이 아닐까. 자기를 통해 도출 세계관 이라해도 좋을 것이다.

이가라시가 필자에게 보낸 편지에서 “물론 그림은 인간의 지적 행위이며, 자신의 철학이 뒤에있다. 최근에는 자기의 주장을 그다지 중요시하지 않게 되었다.”라고 적었고, 또한 “상식의 차원을 훨씬 초과하는 광대한 우주의 섭리 그 한가로운 흐름 속에 보이지 오는 사물의 구조, 그 모습을 그림에 있는 객관화하고, 거기에 내 그림을 요구하고 싶다 라고 생각하고있다.” 고 기록되어있다. 자기주장보다 객관성을 중시하는 방향으로 전개해 나갈 것은 보편에 도달 길을 의미한다. 사람은 스스로 살아있는 것이 아니라 타인에 의해 또는 인식 또는 미치지 않는 힘에 의해 활용되고 있다는 실감이 부글부글 솟아 나는 것처럼 보인다. 날카롭게하는 제작 행위는 우주와 일체감을 가지고 「무」에 오히려 다가가는 행위가 아닐까. 물감을 덧칠하고 다시 깎아내는 행위의 연속성 속에 이가라시 시간이 겹겹이 접혀 곧 무아지경이 되어, 정신과 그림이 하나의 것이 된다. 더 이상 이가라시의 작품은 기하학적 추상 회화에서도 미니멀리즘도 아닌 우주와의 교신이 만들어내는 정신 활동의 궤적이라고 할 수 있다. 그것은 진정한 보편성과 끝없는 영원의 시간을 요구 확장 할 공간이 우주에 발사되고 있다. 그것은 추상의 그 앞을 목표로 '무'의 경지와 우주와의 융합이 보편성을 이끌어 정신과 우주와의 교류 이야기가 작품 화된다. 이것이 이가라시 예술의 세계관이 아닐까. 반세기 이상에 달하는 작품 제작의 힘이 된 그 숭고한 마음과 뜻에 경의를 표하고 싶다.

Yoshio Katoh (加藤 義夫)

(큐레이터 / 미술 평론가 / 다카라즈카 시립 문화 예술 센터 관장 / 오사카 예술 대학 객원 교수)

조금 오래된 개인사이지만, 1970년부터 나는 큰 골판지용 재생지에 연필 드로잉 작업을 시작했다. 80년대부터는 캔버스에 유화물감(티타늄 화이트)으로 칠하기를 반복했었다. 최근에는 나이프를 사용하여 여러 층의 색면을 만들고 다시 깎는 작업을 하고 있다.

뒤돌아보면 나의 회화 작업은 그리는 일과 깎는 일의 연속이었다. 솔직히 말해 최근 몇 년은 그리는 일보다 깎는 일로 회화의 표면을 만들고 있다. 나는 이러한 행위의 반복으로 회화의 가능성을 찾고 있다고 할 수 있다. 거기에는 복잡하고 다양한 시간의 경위가 흔적으로서 기록된다. 캔버스의 표면을 깎음으로써 작품을 만든다는 것은 그림을 그리기 위해 준비된 화포의 사명을 빼앗는 것이기도 하다. 캔버스 본연의 상태를 노출한 캔버스는 평면성과 본래의 천으로서의 물질성을 드러내보이기 시작한다.

때로는 깎는 과정에서 캔버스 천 그 자체가 벌어지고 작은 구멍이 나는 일도 있다. 우연히 생긴 이러한 일들도 나에게는 중요하다.

21세기가 되자 점점 밝혀지는 우주의 신비. 로렌스 크라우스의 『무(無)로부터의 우주』 등과 같은 우주론이나 입자역학 등의 새로운 장을 여는 이론이나 실증에도 흥미를 가지지만, 무엇보다도 나는 먼저 내 손이 닿는 데서부터 미지의 문을 열고 싶다.

내가 캔버스를 깎는 장소는 주위가 산들에 의해 둘러싸인 아틀리에(산막) 바깥의 작은 빈 땅이다. 여러 층의 색채를 거듭 칠한 롤 상태의 캔버스를 바닥에 놓는다. 그리고 샌드페이퍼로 깎기 시작할 때, 나 역시 그 공간과 함께 한다. 캔버스의 표면은 바닥의 요철을 드러내고, 내 손바닥으로 그 진동이 전해진다. 시선은 지구의 중심으로 향한다. 회화의 표면을 만든다기보다도 대지와의 접촉을 즐긴다. 나와 대지 사이에 존재하는 화포, 그곳은 나와 우주와의 교감의 장이다.

라스코의 벽화를 그린 태고의 사람들은, 동굴 속에서 바위 표면에 손으로 안료를 문지르는 일을 통하여 그 너머에 있는 세계와 대화를 했다고 한다. 나는 나카하라 유스케 씨의 저서 『인간은 왜 그림을 그리는가』에 실려 있는 나카자와 신이치 씨와의 대담에서 "벽과 인간이 지각할 수 있는 세계의 경계면을 정말로 문지르면 좋지 않았었을까", "그래서 레비 스트로스는 현대 과학은 신화적인 사고의 한 형태라고 말하고 있는데, 최근에 들어서 점점 그의 생각에 동조하게 돼요. 그 신화의 사고법 구조를 따라 가면, 라스코의 동굴에서 행해지고 있던 사고와 오늘날의 사이클로트론을 사용하는 인간이 하고 있는 사고의 근본적인 문제, 즉 주제는 변하지 않는다고 생각합니다"라고 말하는 그의 의견에 크게 공감했던 것을 떠올린다.

나 자신도 지면에 펼쳐 놓은 캔버스의 표면, 이른바 ’지상면’에 손을 대고 새로운 시공의 도상을 제시하고 싶은 것이다. 

(2021년 11월 7일, 아키오 이가라시 작가노트) 

Akio Igarashi는 1938년 후쿠이현 에치젠시에서 태어나 1960년 후쿠이 대학을 졸업했습니다. 1964년 "쉘 아트 어워드"에 참가한 후 호쿠비 작가 운동(HOKUBI Artist Movement)에 참여하여 1973년까지 전시회에 참여했다. 1970년대 초부터 Igarashi는 자신의 그림을 '지우는' 방식을 실험해 왔다. 특히 사포를 사용하여 페인트 층을 긁어내어 추가한다는 개념을 불러일으켰습니다. 이가라시에게 물감을 한 겹 한 겹 더 칠하는 것에서부터 노출시키는 것까지의 모든 행위는 시간의 경험에 관련이 있다. 

그는 그는 1966년 쉘 미술전에 출품하여, 1966년 北美에 소속되어 1973년까지 北美 그룹 전시회에 참가한다. 이후에도 효고 현립 근대 미술관, 도야마 현립 근대 미술관, 후쿠이 현립 미술관, 사이타마 현립 근대 미술관 등의 개인전과 그룹전에 참여하였으며, 바젤 암스테르담 (2017년), Die Fülle der Leere, kunstraum-oktogon, Bern (2020년) 의 그룹전을 통해 호평을 받고있다. 주요 공공 컬렉션으로는 시가 현립 근대 미술관, 후쿠이 현립 미술관, 다카마쓰시 도립 미술관, 야마 현립 근대 미술관, 타케 후 시청 (현 에치젠시), 오이타 현립 미술관 등이 있다.